Endre søk
Begrens søket
12 1 - 50 of 59
RefereraExporteraLink til resultatlisten
Permanent link
Referera
Referensformat
  • apa
  • ieee
  • modern-language-association-8th-edition
  • vancouver
  • Annet format
Fler format
Språk
  • de-DE
  • en-GB
  • en-US
  • fi-FI
  • nn-NO
  • nn-NB
  • sv-SE
  • Annet språk
Fler språk
Utmatningsformat
  • html
  • text
  • asciidoc
  • rtf
Treff pr side
  • 5
  • 10
  • 20
  • 50
  • 100
  • 250
Sortering
  • Standard (Relevans)
  • Forfatter A-Ø
  • Forfatter Ø-A
  • Tittel A-Ø
  • Tittel Ø-A
  • Type publikasjon A-Ø
  • Type publikasjon Ø-A
  • Eldste først
  • Nyeste først
  • Skapad (Eldste først)
  • Skapad (Nyeste først)
  • Senast uppdaterad (Eldste først)
  • Senast uppdaterad (Nyeste først)
  • Disputationsdatum (tidligste først)
  • Disputationsdatum (siste først)
  • Standard (Relevans)
  • Forfatter A-Ø
  • Forfatter Ø-A
  • Tittel A-Ø
  • Tittel Ø-A
  • Type publikasjon A-Ø
  • Type publikasjon Ø-A
  • Eldste først
  • Nyeste først
  • Skapad (Eldste først)
  • Skapad (Nyeste først)
  • Senast uppdaterad (Eldste først)
  • Senast uppdaterad (Nyeste først)
  • Disputationsdatum (tidligste først)
  • Disputationsdatum (siste først)
Merk
Maxantalet träffar du kan exportera från sökgränssnittet är 250. Vid större uttag använd dig av utsökningar.
  • 1.
    Ancker, Stina
    et al.
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för opera.
    Tenstam, Ulrika
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för opera.
    Hellström, Martin
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för opera.
    När blir sångaren konstnär?2019Annet (Fagfellevurdert)
    Abstract [sv]

    Vad är det du undersöker och varför? Vi vill undersöka gränslandet mellan det repeterade och det spontana uttrycket i operasångarens konst. Hur kan musikalisk improvisation ge energier och kreativa impulser till sångare och vad kräver det av utövaren? Finns det något av väsentlig kvalitet för det musikdramatiska uttrycket som sångaren kan bidra med om textens och musikens bundna form upplöses genom fri improvisation av sångaren? Det vi söker är nycklar till sångarens kreativitet, för att ta dem med till vår undervisning. Vad kommer vi att få ta del av under din presentation? Vi kommer att berätta om vårt arbete och visa en liten del ur vår nyskrivna laborations-opera.

    Fulltekst (pdf)
    Forskningsveckan 2019
  • 2.
    Bennsten, Tobias
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för opera.
    Från helheten till detaljerna: En hysteriskt tråkig titel på ett roligt arbete2021Independent thesis Basic level (degree of Bachelor of Fine Arts), 5 poäng / 7,5 hpOppgave
    Abstract [sv]

    Syfte: Syftet med detta arbete är att resonera kring medveten instudering och hur man kan förbereda sig på specifika problem som sångare möter i sin praktik, och att sammanställa de insikter jag gjort efter experimenterande med min egen övning under mina tre år på Operahögskolan. Syftet är också att hela tiden försöka koppla dessa funderingar till idéer om hur man kan isolera moment och applicera detta på en medveten gehörsundervisning specifikt inriktad på sceniskt arbetande sångare. Metod: Under tiden jag gått på Operahögskolan har jag fört loggbok över min övning och skrivit ner frågor som kommit upp, idéer jag velat undersöka och de slutsatser jag kommit fram till. Samtal med mina lärare har varit en källa till nya kunskaper och funderingar. Jag har också försökt ta till mig kunskap om hur musikhanteringen i hjärnan fungerar, samt om hur språkinlärning kan effektiviseras. 

    Fulltekst (pdf)
    Bennsten Från helheten till detaljerna
  • 3.
    Borin, Per
    Stockholms konstnärliga högskola, Operahögskolan.
    (F)rasera Mozarts Figaro: handbok i partituranalysperiodiseringar i allmänhetoch förFigaros bröllop i synnerhet2020Bok (Fagfellevurdert)
    Abstract [sv]

    På medeltiden, när dansmusik och dryckesvisor började ta platsi kyrkor, slott, senare i konsert- och operahus, uppstod detsom vi idag något slentrianmässigt kallar för ”denvästerländska konstmusiken”. Genom att både Asien ochSydamerika numera har etablerat sig inom den konstsfären såvore det på sin plats att hitta en uppdaterad benämning.Nåväl, det uppstod många intressanta fenomen när dryckesvisoroch dansvisor inom loppet av 100-150 år blev profan(världslig)och sakral(kyrklig) konstmusik. Den dogmatiska skillnadenmellan dessa har jag som utövande kyrkomusiker ochoperadirigent aldrig förstått.En saftig dryckesvisa blir femtio år senare en kyrklig koralsom beskriver Jesu uppståndelse. Exakt samma melodi.Georg Friedrich Händels ”Alexander´s Feast” (1736), var jämte”Messias”, Händels mest spelade verk fram till 1800-taletsmitt då det försvann från estraderna. När konsertplatserna på1800-talet blev institutioner, sakral musik i kyrkan, profan ioperahus och konsertsalar, försvann ”Alexander’s Feast”.Stycket är ett profant oratorium! Sedan 1900-talets andrahälft har stycket lyckligtvis återigen börjat framförasregelbundet.Periodiseringar av partitur hänger direkt ihop med vad somhände när konstmusikens komponister transformeradedryckesvisor och dansmusik till sin egen konstart. I principbygger all dansmusik och alla dryckesvisor på ett jämnt antaltakter; 4, 8 eller 16 takter. Även idag består all folkmusik,dansmusik och även jazzen av dessa jämna antal takter. Ytterstfå undantag finns. Regelbundna rörelsemönster i en dans kräveridentiskt regelbunden musik därtill.Konstmusikens tonsättare började mer och mer lämnaregelbundenheten, avsiktligt medvetet ”gå emot den”. En 4-takters fras varvades med en med 3 eller 5 takter. En 8-takters period ställdes mot en med 7 eller 9 takter o.s.v.Taktlängdernas komplexitet ökar speciellt snabbt underhögbarocken och wienklassicismen.Ett drastiskt och extremt tydligt exempel är skillnaden mellanen tidig och sen Haydnsymfoni. En menuett i en av de förstasymfonierna låter nästan identisk med en menuett som spelas avösterrikiska folkmusiker medan sats 3, ”Menuetto .Allegro” iSymfoni nr.104 är ett helt självständigt stycke konstmusik menfortfarande med inslag av den folkloristiska musiken. Redan imenuettens första takt, på tredje slaget, kommer en heltoväntad betoning (sforzato) som utvecklar hela satsen till etteldorado av överraskningar med alla parametrarna igång. Helasymfonin är ett mästerverk med en oavbruten humorfylld lekbaserad på otaliga infallsrika överraskningar.22Här är periodiseringarna en förutsättning för att förstå vilka kompositionstekniska metoder Haydn använde, det i sin tur är en ytterligare förutsättning för att kunna framföra symfonins geniala innehåll så adekvat som det någonsin är möjligt. Efter otaliga periodiseringar av operor under årens lopp, så växer tydliga samband fram mellan text och antalet takter. Generellt använder Haydn, Mozart och många samtida 4- och 8-takters fraser för att beskriva konkreta situationer, miljöer eller händelseförlopp. Fraser med 3 eller 6 takter beskriver mycket ofta kärleksförklaringar eller kärleksrelationer, både jordisk och gudomlig kärlek. Här är det säkert talet tre i den gudomliga kärleken som är ursprunget: Fadern, Sonen och den helige Ande. I sluttakterna av Giuseppe Verdis sista stora mästerverk, Requiem, beskrivs ”Libera me” (befria mig) i sluttakterna med trioler, en rytm bestående av tre lika långa notvärden. För en djupt troende man som Giuseppe Verdi kan det knappast vara en slump. Figaros bröllop är ett gyllene exempel på att samtliga huvudpersoners kärlekssituationer och önskningar beskrivs med två 3-taktsperioder efter varandra. Jag vågar spekulera i att två 3-taktare antingen beskriver bägge personerna i ett kärlekspar eller också förenas de två ytterligheterna; jordisk och gudomlig kärlek. Susannas Aria nr.28 i akt 4 inleds med åtta stycken 3-taktare där hennes djupaste kärlek beskrivs. Den avbryts med en 5-taktare, en ojämn taktperiod där kärlekens smärta beskrivs på ett sublimt sätt med rosen och dess taggar som allegori. Redan i de första 11 takterna i ”Sinfonia” (som ofta kallas för Uvertyren?), talar Mozart om för oss vad hela Figaros bröllop kommer att handla om: kärlek och konflikter. 6-taktsfrasen (3+3) är kärleken och 5-taktsfrasen är konflikterna. 6 + 5 blir 11 takter innan det första ”fortet” (=starkt) kommer. Inom loppet av knappt tio sekunder är den musikaliska undertexten skickad – utan att ett enda ord har sjungits! I det hymniska, koral-liknande ”Andantet” alldeles i slutet av Nr.29 Final händer följande: Grevinnan förlåter Greven i en 5-taktare där en lång konflikt ebbar ut. Alla sjunger därefter 3 gånger 3 stycken 6-taktsfraser om ömsesidig försoning i kärlek. Allra sist sjunger samtliga ”fira (bröllopet)” i en 6-taktare och orkestern avrundar med en jämn 8-taktsfras som slutar med en låg unison ton (ett D). Jag förmodar starkt att det beskriver att alla är tillbaka i en jämn och vanlig vardag. I princip gestaltar alla 5-taktsperioder konflikter, svartsjuka, intriger, ilska, problem eller kärleksbekymmer. Mer eller mindre alla kompositörer fortsätter in i vår tid att23utveckla och förfina de ojämna taktperiodernas innehåll. Oftavet jag redan i förväg, när jag hittar en musikalisk 5- eller7-taktsfras, i vilken riktning textens innehåll går.När Greven i Figaro råkar illa ut, vilket han gör ofta, såsjunger han mycket ofta i 5- och 7-taktslängder.7-taktaren har ofta samma textliga anknytning som den med 5takter men har även en överraskande funktion. Det blir en takt”för lite” där vi ryggmärgsmässigt förväntar oss den invanda8-taktsfrasen.I Haydns sista Symfoni nr.104 kommer i Allegro-delen först en8-taktare (takt 17-24) som följs av en 7-taktsfras där fortet(stark nyans) kommer helt oväntat abrupt ”för tidigt”.Överraskningen är stor och kanske ville Haydn väcka en ochannan halvsovande, slentrianlyssnade konsertbesökare..Talet 7 har också en stark biblisk anknytning som dåtidakomponister kände väl till. Exemplen är otaliga där specielltden stora fugan i ”Libera me”, sats 7 i Giuseppe VerdisRequiem är mycket uppenbar. Den inleds med att kören sjunger ifyra stycken 7-taktsperioder efter varandra. En vissosäkerhetsfaktor smyger sig därför in på grund av det ojämnaantalet takter. Både körsångare och orkestermusiker måstekoncentrera sig ordentligt för att insatsen verkligen skakomma på rätt ställe.Musicerandet får en förankrad och djupare dimension när vi vetatt talet sju har en helig innebörd i bibeln. Både Brahms ochVerdi komponerar sina respektive Requiem med just sju satser.Dödssynderna är sju, Jesus ord på korset är sju, skapelsen togsex dagar där den sjunde är vilodagen.24Avslutningsvis är det metodiska användandet av periodiseringar en klassisk blandning av pragmatik och andlighet. När vi efter en optimal instudering fått en klar överblick av parametrarnas interaktion (hur de kommunicerar med varandra), kan vi Frasera och musicera fritt med varandra på en högre andlig nivå där musikens innersta själ i de bästa ögonblicken blir universell.

    Fulltekst (pdf)
    fulltext
  • 4.
    Carlsson, Wilhelm
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för opera.
    När sjunger skådespelaren, hur talar sångaren?2022Annet (Fagfellevurdert)
    Abstract [sv]

    Min forskning handlar röstens uttryck och släktskapet mellan opera och teater. När Anders de Wahl reciterar Nyårsklockorna från Skansen, så låter det nästan som om han sjunger texten. Det låter högtravande och starkt. Men å andra sidan, ibland hör vi inte alls vad de säger in en serie på TV. Vad går förlorat när röstens uttryck förminskas även på scenen?

    Fulltekst (pdf)
    fulltext
  • 5.
    Carlsson, Wilhelm
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för opera.
    When do we sing in theatreand how do we speak in opera?: När sjunger vi på teatern och hur talar vi på operan?2018Konferansepaper (Fagfellevurdert)
    Abstract [sv]

    Vad är det du undersöker och varför? Jag undersöker gränslandet mellan teaterns och operans vokala uttryck. På svenska teaterscener möter vi skådespelare som avhändat sig många av röstens uttrycksmedel och närmat sig ett vardagligt uttryck. På operascenen skyms den talade textens innehåll ofta av det vokala uttrycket.Vad kommer vi att fåta del av under din presentation?Jag kommer redogöra för min undersökning av hur skådespelaren kan närma sig musikaliteten och ett expanderat vokalt uttryck före att gestalta textens innehåll. Och hur operasångaren kan söka sig mot en mer betydelsediger gestaltning av texten med bibehållen vokal kraft.

    Fulltekst (pdf)
    Program forskningsveckan 2018
  • 6.
    Dahlberg, Tove
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för opera.
    Släpp sångarna loss!: Genus, gestaltningsnormer och konstnärligt handlingsutrymme i opera.2023Doktoravhandling, monografi (Annet vitenskapelig)
    Abstract [en]

    Abstract:

    My dissertation is taken from an opera singer’s perspective and the aim is three-fold: 

    ·         to investigate and problematize how gender and performance norms are reproduced on the opera stage

    ·         to provide tools and propose approaches to transform gender perspective and norm critique into a creative artistic practice, enabling conscious and active artistic choices in relation to gender and performance norms

    ·         to explore ways to expand the singer's artistic agency. 

    The artistic research project draws on knowledge from both my own practice as a professional opera singer and my collaborators’ experiences from the worlds of opera, classical music and theatre.

         The thesis consists of four artistic investigations:

    1. In Mönster och möjligheter (Patterns and Possibilities), gender markers were explored and identified, both in vocal and dramatic performance. The five Mozart scenes that were studied revealed a structure suggesting that femininity in the operatic art often can be expressed by taking responsibility for the music, for facial features and bodily behaviour, and for the audience. Correspondingly, masculinity seemed to be expressed by actively taking less responsibility in these areas.

    2. The second investigation was connected to Norrbottensmusiken's production of the new opera Under en kvinnas hjärta (Beneath the Heart of a Woman). This study exposed how performance norms affect singers' artistic possibilities also in contemporary opera. The investigation found that if the director's reading of an opera is norm-creative, it can facilitate a less traditionally gender-coded performance. However, even in more traditional opera productions, there are still options for the singer to work norm-creatively with their role, for example by mixing feminine and masculine gender markers.

    3. The third investigation, the concert production Sångernas sång (The Song of Songs), explored an expanded artistic agency for the singer. Actively using my experience from my career as an opera singer, I wrote the libretto for the chamber mini-opera Stark som döden (Strong as Death) in collaboration with a composer. The study suggested that singers, in addition to their creative work on the role, could also contribute with other important perspectives. Concert and opera productions, as well as newly written works, can be enriched by a dialogue with the singers early on in the artistic process. In the creation of the two roles in the chamber pieces Hög visa (Songs of Solomona) and Stark som döden, useful methods for creating a subject position for the characters were developed, as well as ways to work in a concert situation with the portrayal of sexual desire.

    4. The fourth and final investigation, Interaktion och intimitet (Interaction and Intimacy), was an exploration of intimate scenes. The study showed that the method and know-how of an intimacy coordinator can provide a sense of security that can make the singers freer in their portrayals of sexuality. A greater focus on the story can also make the scenes more interesting artistically. In addition, this study revealed the potential of an expanded agency for the singers. Allowing singers to adapt the text and the distribution of lines in repertoire opera, as well as creating a more collective rehearsal process, where the singers take an active part in the stage directing work, could open up for more norm-creative representations of gender on stage.

    Fulltekst (pdf)
    Länk till det dokumenterade konstnärliga forskningsprojektet (doktorsavhandling) i Research Catalogue
    Download (pdf)
    Registreringsblad
  • 7.
    Dobewall, Mareike
    Stockholms konstnärliga högskola, Operahögskolan. Program for kunstnerisk utviklingsarbeid (DIKU).
    Demmin, låta en stad ljuda2020Inngår i: VIS – Nordic Journal for Artistic Research, ISSN 2003-024X, nr 3Artikkel i tidsskrift (Fagfellevurdert)
    Abstract [sv]

    Projektet Demmin – eine Stadt zum Klingen bringen (”Demmin – att låta en stad ljuda”) undersöker den tyska staden Demmins historia och berättelser genom att iscensätta en dialog mellan den lokala kören ”Peenechor” och platsen för Haus Demmin. Under en två veckor lång workshop utforskade Dobewall och amatörkören ”Peenechor” hur man skulle kunna ge plats och röst åt andra slags berättelser – berättelser om Demmins invånare och två försummade byggnader kända under det gemensamma namnet Haus Demmin (ruinerna efter en fästning från 1000-talet och en före detta herrgård). Med åldrande röster och en arkitektur i sönderfall, i sonisk dialog med varandra, skapades ett sjungande performance-verk under bar himmel. Berättelser, historia och sagor tog nya former genom sången. Denna platsspecifika performance väckte både besökarna och deltagarnas egna minnen men också deras fantasi, för att tillsammans bilda en holistisk upplevelse.

  • 8.
    Dobewall, Mareike
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för opera.
    Voicelanding - Exploring the scenographic potential of acoustic sound in site-sensitive performance2021Doktoravhandling, monografi (Annet vitenskapelig)
    Abstract [en]

    This practical artistic research project (Documented Artistic Research Project (Doctoral Thesis)) explores how the performance of acoustic sound in dialogue with site can create a sonic scenography, experienced by an audience from within the sonic structures. 

    Six art projects were carried out in the context of this research. Their form varies due to the site-sensitive approach that is employed: the space and the participating musicians are both the source and the frame for the resulting spatial sound performances.

    During workshops the collaborating musicians are introduced to site-sensitive methods. They learn full-body listening, spatial sounding, and space-care. The musicians learn to co-create with the space. In a collaborative process, spatial sound compositions are created using the site-specific sonic material that is elicited from the dialogue between the performers and the space. The relation to the audience plays an important role in the sharing of the performance space and the experience of the sonic scenographies. Therefore, active audience encounter is considered practiced during the creative process towards the performance and it is further explored during each performance.

    As sound is invisible and ephemeral it is a vulnerable material to engage with when creating scenographies. In this research its instability has revealed itself as an indispensable quality of a scenography that aims to connect the elements of a shared space and to make their relations perceivable.

    There is a tendency to make ‘reliable’ material scenographies and to sustain spatial sound through audio systems while attempting to overcome the challenges a site brings to performance. This approach to performance, scenography, and spatial sound composition, however, limits the relation between acoustic sound and site. In my sonic scenographies the performers are dependent on the dialogue with the space in order to create sonic structures that can be experienced by an audience. The attention needed for this collaboration is space-care. It includes care for all entities in the space, and especially the audience. The ephemeral quality of acoustic sound creates an active sonic scenography that performs together with the musicians, and engages multimodal listening.

    The resulting spatial sound performance includes the placement and movement of sonic expressions that are specific for each instrument-site relation. In the created performance, as the audience can ‘roam through’ it, they can experience a sonic scenography that unfolds around them. In the interaction of performers and audience in these shared spaces (architectural space and sonic space) a social space can develop that allows for an ephemeral community to emerge.

    Fulltekst (pdf)
    Registreringsblad
    Fulltekst (pdf)
    Spaces as voice teachers
    Download (mp4)
    Musica Mundana. Documentation of the live performance, All rights reserved
  • 9.
    Forssell, Jonas
    Stockholms konstnärliga högskola, Operahögskolan. Konstnärliga fakulteten vid Lunds universitet.
    Textens transfigurationer2015Doktoravhandling, monografi (Annet vitenskapelig)
    Abstract [en]

    This thesis focuses on the opera text enlightened from four different perspectives: the translator, the librettist, the composer and finally the singer, based on the author’s thirty years of professsional practice, in the spirit of Donald A. Schön’s study from 1983: The Reflective Practitioner; How professionals think in action. The method is basically hermeneutic and the esthetics inspired by Umberto Eco’s Opera Aperta (”The Open Work”) from 1962. Questions from within the perspective of the translator are: In what ways does opera translation differ from other forms of translation, and how does an opera translator work? What is the history of “opera in the ver-nacular” compared to “opera in original language” and are singable translations needed whatsoever in the modern era of subtitling? The perspective of the librettist examines the opera form’s SWOT-analysis, the differences from other “storytelling” art forms, the task of making an adaption compared to choosing to create an original plot, the matter of taste and building the form from dramaturgical principles, the shaping of aria texts, the importance of tight collaboration and cutting, cutting, cutting (“a libretto cannot be short enough” Edgar Istel, 1922). The composer’s perspective contains practical and theoretical words of advice and examples from practice, together with a so ”think aloud”-study from within a composer’s thought process while working. The final chapter, from the singer’s perspective, focuses on whether modern vocal ideals and singing “in original language”, with subtitles, together with expanding performance halls, have made opera text harder to perceive, and rendered earlier established texting techniques forgotten or obsolete. The answers to all these questions are complex. This thesis concludes that the opera form is still expanding, but not necessarily in the direction of creating a new, contemporary canon. “There are about 600 opera houses in the world, all are ‘National Galleries’, none is the Tate Modern” (Per-Erik Öhrn, 2012), but there are also opportunities. Almost all successful new opera productions in recent years have their librettos written in English, a language traditionnally regarded as “weak” in the field of opera. Opera audiences worldwide are nowadays accustomed to hearing and understanding sung English words and comprehending a dramatic context when expressed in English, thanks to 100 years of Anglo-American dominance in popular music and about 50 years of dominance in television and films.

    Fulltekst (pdf)
    fulltext
  • 10.
    Gagua, Zaza
    Stockholms konstnärliga högskola, Operahögskolan.
    Practical advices for young Opera singers2019Independent thesis Advanced level (degree of Master (Two Years)), 10 poäng / 15 hpOppgave
    Abstract [en]

    Opera itself is a combination of music, poetry, acting and plastic where the central role-plays singer-actor. Each singer should try to develop itself every time. During my study period, I have learned a lot from the reading books of successful and famous opera singers; I noted recommendations of my teachers, professors, opera singers I have met; and tried to follow their recommendations. As you have already read, it really affected me. I hope that my work will be useful for the beginners since several year ago I was beginner too, studied a lot, and worked a lot for my future career.As I have already mentioned below I have played the role of Masetto and Commendatore during performance of Mozart’s Don Giovanni. And from my point of view it is quite hard to play both roles but if you will follow the advices that I have mentioned here ineach my chapter I am sure that it will help you to sing properly during your entire singing career. Since when I started to practice thesetwo roles I had quite few time to study and met a lot of challenges. Hoverer I started to look for the solutions howto overcome challenges. First of all I have started to observe why I couldn’t sleep sometimes well, why I had reflux, why my voice wasn’t in a good condition and also I have started to think about faster ways of studying and started to think how I could learn faster and what are the important keys. I am always trying to follow the advices of the famous singers and trying to fit it to myself. I do not tell you how you should develop your voice skills or singing technique because I think that it is up to your voice technique teacher’s job but what I am trying to share with you is that all my selected chapters will help and do not heart you.

    Fulltekst (pdf)
    fulltext
  • 11.
    Giger, Pia
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för opera.
    Secco-recitativ: en upptäcktsresa i secco-recitativets värld ur en repetitörs synpunkt2023Independent thesis Advanced level (degree of Master of Fine Arts (One Year)), 5 poäng / 7,5 hpOppgave
    Abstract [sv]

    Efter att ha ägnat mig åt continuots roll i ett secco-recitativ i en kort men intensiv period känner jag att många av mina ursprungliga frågor nu besvarats. Det har varit otroligt givande att ha grävt i facklitteratur för att få verktygen jag sammanställde bekräftade. I början kunde dessa efterforskningar kännas lite “torra” då de inte alltid var kopplade till praktiken men jag har genom mitt egna testande vid cembalon kunnat koppla teori och praktik och ur essensen av källorna slagit fast att det viktigaste är att ta vara på friheten som finns i recitativen. Meningen är ju att lyfta fram dramat på ett övertygande sätt och framförallt att reagera på sina medspelare (continuo/sångare). Jag märkte ännu en gång hur viktigt det är att göra det förberedande arbetet. Jag är van vid att jobba med text, översättningar, karaktärsanalys, etc. och använde mig av samma princip i recitativen för att få en djupare förståelse för vad som pågår i scenen/texten. Det gjorde att jag hade en större glädje att experimentera och gestalta recitativen eftersom jag förstod vad 16som händer och vad som kan förändras, som när man belyser en kort berättelse från olika håll eller försöker berätta det på olika sätt. Dessutom kände jag mig som en aktiv del av dramat vilket förde med sig friheten att gestalta recitativen både genom att ge och ta impulser. För att snabbast/bäst kunna reagera på sångaren/sångarna och ge passande impulser behöver jag ha koll på texten och dramat i recitativen– då blir jag också mera kreativ, märkte jag. En annan viktig punkt jag tar med mig kommer efter att ha lyssnat på många olika inspelningar och det är att det finns mycket subjektivitet i gestaltandet av ett recitativ: vad tycker jag låter bra, vad vill jag understryka/lyfta fram, etc. Även olika fackböcker nämner att det inte är möjligt att i textform beskriva sättet att spela continuo. Du behöver lyssna på någon som spelar det för att lära sig spelsätt och framförallt bli inspirerad att skapa egna.

  • 12.
    Gunnari, Mattias
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för opera.
    Reflektionsuppgift: Den skådespelande operasångaren2021Independent thesis Basic level (degree of Bachelor of Fine Arts), 5 poäng / 7,5 hpOppgave
    Abstract [sv]

    Sammanfattning Vad som fick mig att vilja skriva om det här ämnet var en specifik erfarenhet jag var med om för ett par år sedan, då jag medverkade i en uppsättning av Così fan tutte och gestaltade soldaten Ferrando, utklädd till en arabisk oljeprins. I en av scenerna för Ferrando och Guglielmo en diolag sinsemellan om hur den ena har lyckats förföra en av tjejerna och hur den andra inte. I den här scenen lyckades jag inte hitta nyckeln till att låsa upp dramat, och tydliggöra de olika riktningarna och intentionerna hos min karaktär. Efteråt var jag fortsatt förbryllad och är det än idag — vilket har lett mig till att reflektera kring detta i den här skrivuppgiften. Det var så ovant och slående att inte förstå hur jag skulle göra för att få fram regissörens och min karaktärs vilja, och jag är helt övertygad om att det fanns en lösning till mitt problem framför näsan som jag i stunden inte förmådde att se. Det är min förhoppning att jag av denna reflektionsuppgift ska bli litet klokare och kanske lära mig något nytt om mig själv och om skådespelarkonsten i allmänhet. 

    Fulltekst (pdf)
    Gunnari Reflektionsuppgift
  • 13.
    Helander, Karin
    Stockholms konstnärliga högskola.
    Kroppen som det skönaste musikaliska instrumentet: om röstpedagogen Cecila Berefelts arbete inom svensk teater och teaterutbildning2012Bok (Annet vitenskapelig)
  • 14.
    Hellbom, Rebecca
    Stockholms konstnärliga högskola, Operahögskolan.
    Från Mozart till Wagner: En lyrisk-dramatisk soprans reflektioner2020Independent thesis Advanced level (degree of Master (One Year)), 10 poäng / 15 hpOppgave
    Abstract [sv]

    Som lyrisk-dramatisk sopran vet jag att min väg vokalt är längre än de flesta andra röstfacks väg, eftersom rösten behöver mer mognad. Mognad att växa in i sitt röstfack och mognad för att klara av de stora rollerna som väntar. Så var börjar man när man är yngre, vilken repertoar kan låta rösten växa och ta plats men ändå bevara ungdomlighet och skönhet? Jag har upplevt från master classes och auditions som jag har varit på att efterfrågan av Mozart har varit stor. Samtidigt har jag alltid tyckt att det har varit svårt att sjunga just Mozart. Det känns inte som att rösten får ta sin riktiga plats och att det skaver på något sätt. Därför blev det tydligt för mig i början av läsåret att mitt projekt skulle handla om hur jag som lyrisk-dramatisk sopran kan hitta min röst i Mozart. Samt hur jag kan dra nytta av ett slankare vokalt tillvägagångssätt som behövs i Mozart och använda det i repertoar som jag trivs bättre i vokalt, som till exempel Wagner.

    Detta är ett utforskande projekt i hur man som lyrisk-dramatisk sopran kan sjunga på bästa sätt med sin röst i olika stilar, och hur de olika stilarna kan dra nytta av varandra. Hur skiljer sig Mozart från Wagner vokalt? Kanske är skillnaden inte så stor, och kanske finns en förening mellan dem två i Weber?

     

    Fulltekst (pdf)
    Från Mozart till Wagner En lyrisk-dramatisk soprans reflektioner
    Fulltekst (pdf)
    Redovisningstext
  • 15.
    Hjärpe, Anna
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för danspedagogik.
    Let us Dance: en undersökning kring jazzdansundervisning för musiker som spelar till dans2014Independent thesis Basic level (degree of Bachelor), 10 poäng / 15 hpOppgave
    Abstract [en]

    The aim of my thesis is to attempt formulating methods and strategies functioning as options to broaden

    and develop the knowledge concerning the relationship between music and dance to musicians

    specialized in playing to dance classes. As a dance pedagogue I also try to find ways of developing my

    cooperation with musicians. Teaching jazz dance, the genre used in this essay, I function in different

    pedagogical roles to musicians who accompany dance students. Throughout my study I analyze the

    interviews made with my participants before, during and after my lessons. In my attempts to formulate

    these methods and strategies, different types of pedagogies are used e.g. learning by doing -methodology

    together with dynamic pedagogy.

    Be ing inspired by refle xiv ity, and using it as a tool in my analy zing process, I interpret my partic ipants’

    statements. Especially the final interview discloses that the participants show a broaden understanding

    for movements and the connection between movement and music. Their statements show that they can

    feel the movements, regardless of their dancing the movements or not and this helps them in providing

    music suitable for the specific movements. In order to develop cooperation with musicians, my stu dy

    shows that teamwork is the tool that helps most.

  • 16.
    Holma, Katariina
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för opera.
    Characteristics of key signatures: Does the character of sung music change in transposition?2022Independent thesis Basic level (degree of Bachelor of Fine Arts), 5 hpOppgave
    Abstract [en]

    In "Characteristics of key signatures" Katariina Holma describes and reflects upon her experiences of  transposing her operatic singing repertoire. Do the character and colour of the sung music change when we transpose it? According to Holma's experience, it is the storyteller in particular, the role character in an opera aria, who is most affected by transposition. Holma learned during her experiment that there are several positive qualities to be gained from transposition that not only help a singer learn more about their repertoire  but also assist them in exposing stumbling blocks to their singing technique.

    Fulltekst (pdf)
    Characteristics of key signatures
  • 17.
    Hübinette, Nils
    Stockholms konstnärliga högskola, Operahögskolan.
    Vad operasångare kan lära av skådespeleri2019Independent thesis Advanced level (degree of Master (Two Years)), 5 hpOppgave
    Abstract [sv]

    En lärare som var väldigt viktig för mig i ett visst skede under studietiden, var Thomas Lander. Han introducerade de sångtekniska fördelar man kan hämta från talet, eller som han kallar det, det patetiska talet. Betydelsen, och lärdomarna som kunde hämtas, av talet stannade dock inte här, det breddades till att vara det centrala i hela min filosofi kring kommunikation på scen.Från de rent sångtekniska verktygen som fanns att hämta, kom senare diktionen, och textens hörbarhet. Därefter kom talet i dess mest övergripande form, likt skådespeleri. Vad fanns det egentligen överhuvudtaget för skillnader mellan tal och operasång? Fascinationen uppstod ur det faktum att vi genom trial and error har övat hela livet på att tala, på att till att börja med rent taltekniskt göra oss tillräckligt förstådda, att man hör vad som sägs, och för det andra att vilja uppnå något med vad man säger. Det verkade inte mer än rimligt att använda sig så mycket av det som möjligt, varför uppfinna hjulet en gång till?Frågeställningen blir här därmed: ​Vad finns det för skillnader och likheter mellan skådespeleri och operasång, och vad man lära av det för att bli en bättre sångare?

    Fulltekst (pdf)
    fulltext
  • 18.
    Ivarson, Karin
    et al.
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för dans. Dans- och Cirkushögskolan.
    Printz, Sebastian
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för dans. Dans- och Cirkushögskolan.
    Musiken i rörelsen och rörelsens musik: texter om samspelet mellan musik, dans och cirkus2015Annet (Annet (populærvitenskap, debatt, mm))
    Abstract [sv]

    Att som musiker dagligen få möjlighet att samarbeta med dansare och cirkusartister är en stor förmån. Denna antologi är resultatet av ett projekt för att synliggöra och dokumentera musikers erfarenhetsbaserade kunskap när det gäller praxisfältet musik för dans och cirkus. Musiker anställda vid musikenheten på DOCH och även tidigare anställda musiker har skrivit, eller blivit intervjuade, om hur de undervisar i musik, spelar till och komponerar för konstområdena dans och cirkus. Vad gör vi? Varför gör vi det vi gör? Hur kan vi göra för att utveckla vårt musikaliska förhållningssätt i samarbetet med dansare och cirkusartister?

    Musiken och musikerna har haft en stor och viktig plats i de olika utbildningarna genom DOCHs historia, alltsedan Koreografiska Institutet startade 1963 och fram till idag då DOCH, Dans och Cirkushögskolan ingår i Stockholms konstnärliga högskola. Detta arbetsområde inom högskolan har dock aldrig tidigare presenterats eller dokumenterats i text. Vilken musik spelas på olika dansklasser, hur växer musik till en cirkusföreställning fram, vilken musikundervisning behöver studenter i dans och cirkus?

    Denna antologi avser att ge kunskap om och inblick i mångfalden av musikaliska uttrycksformer genom musikernas personliga berättelser. Vikten av att utveckla seendet för att kunna gestalta rörelsens musik beskrivs, samt hur ny musikteknik kan bidra till ett utökat musikaliskt ljudlandskap.

    Förhoppningen är även att denna antologi kan inspirera studenter, lärare och andra som är intresserade av musikers arbete och av samspelet mellan musik, dans och cirkus, till ständig vidareutveckling av musiken i rörelsen och rörelsens musik!

    Fulltekst (pdf)
    fulltext
  • 19.
    Johnson, Marc
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för film och media.
    In the archival multiverse, the blubber decays but the fever increases.: A contribution to VIOLENCE: the fourth biennial PARSE Research Conference at the Faculty of Fine, Applied and Performing Arts, University of Gothenburg, Sweden. by Marc Johnson with the contribution of Hitomi Ohki 大木瞳2021Inngår i: VIOLENCE: the fourth biennial PARSE Research Conference at the Faculty of Fine, Applied and Performing Arts, University of Gothenburg, Sweden / [ed] PARSE, Göteborg: Parse , 2021Konferansepaper (Fagfellevurdert)
    Abstract [en]

    The presented work is composed by Marc Johnson — a memory worker — who is currently a Ph.D. candidate in performative and media-based practices at the Stockholm University of the Arts. The shared perspectives are engaging issues of violence from the center of an artistic practice-based research focused on archival practices and concerned with how a documentary heritage circulates, is formed, debated, shared, and re-interpreted.

    The lecture-performance starts by considering the “Rights of Nature” — from recent environmental litigations in Aotearoa (New Zealand), Bolivia, and Ecuador — which focus on the idea of legal standing. What does it take to enforce the legal personhood of a river or other natural entities?

    Marc Johnson investigates and reflects on some ways to deal with representations of murdered bodies — human and more-than-human (cellular life forms) — without replicating historical patterns of abuse? Under what conditions shall these documents, artifacts or, images be seen?

    Marc Johnson collaborates with Hitomi Ohki 大木瞳 — Soprano singer — to expose how polyphony[1] and counterpoint[2] applied to cinema can be used practically to navigate the uncertain archive(s) of violence studies.

    Marc Johnson addresses the dynamics of archival silences[3] and archival amnesty[4] as an important reminder of the ways in which violence — despite its presence in the everyday life of most people mainly through paper-based, and online news media (including social networks) — can also be deeply buried and invisible through institutional and corporate powers and other means; nonetheless impacting the lives of ordinary people (as opposed to powerful people, military, political and business leaders).

    The proposal does not intend to resolve; but rather to expose and to put oneself in the presence of using the means of montage.

    Skepsis is the deployed strategy throughout the duration of the time-based work as defined by Jacques Derrida as a “vigilance, and attention of the gaze during an examination. […] One is on the lookout, one reflects upon what one sees, reflects what one sees by delaying the moment of conclusion.”[5]

     [1] A process of combining two or more voices so that they harmonize with each other but maintain their individuality.[2] A process of adding one or more melodies as an accompaniment to a given melody according to certain fixed rules; a composition in which melodies are thus combined.[3] Rodney G. S. Carter, “Of Things Said and Unsaid: Power, Archival Silences, and Power in Silence,” Archivaria, September 25, 2006, 215–33.[4] Tonia Sutherland, “Archival Amnesty: In Search of Black American Transitional and Restorative Justice,” ed. Michelle Caswell, Ricardo Punzalan, and T-Kay Sangwand, Journal of Critical Library and Information Studies, Critical Archival Studies, 1, no. 2 (2017): 1–23, https://doi.org/10.24242/jclis.v1i2.42.[5] Jacques Derrida, Memoirs of the Blind: The Self-Portrait and Other Ruins, trans. Pascale-Anne Brault and Michael Naas (Chicago: University of Chicago Press, 1993).

    Fulltekst (pdf)
    Parse research conference lecture performance script
  • 20.
    Kaliski, Jaroslaw
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för opera.
    Lecture-Recital: What is perceived as a singing tone?2023Konferansepaper (Fagfellevurdert)
    Abstract [en]

    Abstract - Lecture-Recital - What is perceived as a singing tone? Stockholm Research Week, January 18th 2023.Jaroslaw Jan Kaliski, Assistant Professor of musical performanceIn this lecture-recital, the interplay between piano technique and vocal performance is explored to understand how the piano can emulate the singing voice. The presenter shares insights into enhancing the clarity and expressiveness of vocal music through a pianistic approach. The discussion addresses the challenges of producing a singing tone on the piano—an instrument with a fundamental difference from the human voice. Technical aspects such as legato, articulation, and the use of body weight in sound production are examined, alongside interpretative elements like poetic text treatment and agogic application. Using examples from both opera arias and romantic piano repertoire, the role of the piano in vocalists' musical path is analyzed, emphasizing the importance of rhythm and phrasing. The lecture reflects on artistic development and offers practical musicianship guidance, providing performers with creative solutions to express the nuances of vocal music on the piano.

     

  • 21.
    Källström, Georg
    Stockholms konstnärliga högskola, Operahögskolan.
    Relationen och undervisningen2020Independent thesis Basic level (degree of Bachelor of Fine Arts), 5 poäng / 7,5 hpOppgave
    Abstract [en]

    A reflection on the relationship between teachers and students in teaching situations. The work contains its own reflections and thoughts, but also raises other people's views on the subject by means of a survey. The survey was sent to all students and teachers at the Opera University in Stockholm.

    Fulltekst (pdf)
    Relationen och undervisningen
  • 22.
    Larsson, Sara
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för danspedagogik.
    Taktarter och dans: en studie i hur taktarter kan användas i jazzdansundervisning2022Independent thesis Basic level (degree of Bachelor), 10 poäng / 15 hpOppgave
    Abstract [en]

    The purpose of this essay is to inspire and find ways to incorporate different time signatures in jazz dance education. Through literature studies, a focus group and an own analysis leading up to the meeting with the focus group, I founded a base of knowledge, but also material to analyze. By comparing my different sources of information, I found that the different time signatures, have different qualities, but they are also affected by other factors such as the instruments, singing and how it is performed. During the meeting with the focus group, I also found that music and dance is personal and that feeling calm and secure with the music is important to be able to move freely to it. In the discussion I could see that there are a lot of ways that you can use different time signatures in jazz dance education. Some examples were to expand your musicality and musical knowledge, but also to highlight and use certain qualities in the different time signatures to develop your dynamic practice. 

    Fulltekst (pdf)
    Taktarter och dans
  • 23.
    Lindal, Anna
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för opera.
    Boman, Tomas ()
    Avlärandets poetik2020Annet (Fagfellevurdert)
    Abstract [sv]

    Vi utvecklar frågeställningar kring avlärande och tvivel som en möjligen väsentlig beståndsdel i konstnärers arbetsprocesser. Syftet är att dekonstruera och ifrågasätta föreställningar om det slutgiltiga konstnärliga ”verket” och de färdigheter och kunnande som anses vara förutsättningen för interpretation och framföranden av dessa verk. Finns det metoder vi kan använda oss av för att montera ner djupt förankrade färdigheter och på så sätt erövra ny kunskap? Projektet problematiserar de observationer kring olika konstnärliga roller som deltagarna förkroppsligar - som regissör, musiker och filmare - och de konventioner dessa roller för med sig i en process av avlärande. Vi arbetar med dekonstruktion av J S Bachs ikoniska Ciaccona för soloviolin och ”översättningar” mellan musik och text/tolkning och improvisation. Under presentationen delar vi med oss av de viktigaste delarna av vår forskning i form av samtal filmer/ljudinspelningar och musikaliska gestaltningar som liveexempel.

    Fulltekst (pdf)
    Program Forskningsveckan 2020
  • 24.
    Lindal, Anna
    Stockholms konstnärliga högskola, Operahögskolan. Göteborgs universitet.
    Musik och kunskapsbildning: Bor det en pedagog i varje musiker?2011Inngår i: Musikens kunskapsbildning: En festskrift til Bengt Olsson, / [ed] Monica Lindgren, Anna Frisk, Ingemar Henningsson, Johan Öberg, Göteborg: Art Monitor , 2011, 1, s. 121-122Kapittel i bok, del av antologi (Annet vitenskapelig)
    Fulltekst (pdf)
    gupea_2077_40190_3.pdf
  • 25.
    Lindal, Anna
    Stockholms konstnärliga högskola, Operahögskolan. Göteborgs universitet.
    Vargen och violinen2009Inngår i: Art Monitor nr 7 2009, ISSN 1653-9958, nr 7, s. 119-124Artikkel i tidsskrift (Fagfellevurdert)
    Abstract [en]

    Article on intepretation and collaboration between composer and interpreter based on the authors work with music by Øyvind Torvund and Christian Wolff. 

    Fulltekst (pdf)
    Vargen och violinen
  • 26.
    Lindal, Anna
    et al.
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för opera.
    Jutterström, Johan
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för opera.
    Hiroui Larsson, Andreas
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för opera.
    Lethe – seminar2022Konferansepaper (Fagfellevurdert)
    Abstract [en]

    Alliances and Commonalities, conference Stockholm University of the Arts, October 20th, 2022Lethe – seminarParticipants: Lethe research group: Anna Lindal, violin Johan Jutterström, saxophone Andreas Hiroui Larsson, percussionGuest: Jennifer Torrence, percussionAbstract Using the mythological river Lethe as a starting point the Lethe research group is researching forgetfulness and how forgetfulness might change our relationship to art music conventions. We hypothesise that this creates alternatives and openings; alternatives in approaches to interpretation, ownership of the music being played and also to question unspoken rules regarding dynamics, ensemble play and musical form in music. Similar to non-idiomatic improvisation – to learn idiomatic music practices in order to actively not be conditioned by them – we use forgetfulness as a subversive tool to free ourselves from the conditions and conventions of western art music (Bailey 1993). When we metaphorically drink from the river Lethe and let its property of forgetfulness put us in a conscious improvisatory mode, this can possibly help us to develop an art music practice, that enables us to break conventions in terms of musical ensemble play, dynamics and form. Forgetfulness is inherently inscribed in every performance practice. As soon as a performance, or concert, is over all that remains are the fading memories. Focusing on the fading, rather than on the memories themselves, is our tool to open up artistic practices for something unexpected. Can forgetfulness help us understand a growing diversity of approaches to art and music and would forgetfulness facilitate our participation as active musicians in that growing diversity? At the beginning of the project the research group, collectively in improvisation, created a piece of music that during the three-year period is being played again and again. The musicians are not allowed to listen to the piece or discuss it with each other until the end of the project. Continuously repeating the piece hopefully allows for forgetfulness to be the driving force behind the piece development. In the conference we will present our research - and how it intertwines practice, theory and reflection – together with our reference partner Jennifer Torrence, in an open workshop. Jennifer Torrence is a musician and artistic researcher from Oslo National Academy of Music and is part of the reference group of the project. She has been participating and leading workshops with the group that touch on the core of the research – forgetfulness and improvisation. The research group will perform the continuously repeated piece during this workshop as well as other practical examples on forgetfulness and improvisation. We will also discuss and problematise our research questions: Can forgetfulness or memory help us circumvent norms and conventions in western art music that we feel are standing in our way? Had we the chance, what would we be willing to forget? Would we want to remember things forgotten? Jennifer Torrence poses a number of additional questions to the project and the research group will address some of them in the discussions in this workshop, for instance: How might we actively forget? To force forgetting? What is the difference between forgetting and misremembering? How can forgetting also play a role in how you present materials of the research, especially the documentation and reflection? The research group and Jennifer Torrence will lead laboratory exercises with the participants of the workshop, using forgetfulness as an artistic and reflective tool. We also make the participants, in discussions, take part in the evaluation and analysis of the musical material presented in the practical musical experiments performed by the research group.Bailey, D. (1993) Improvisation; Its Nature and Practice in Music. New York: Da Capo Press.

  • 27.
    Lindberg, Matilda
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för danspedagogik.
    Where's your groove?: Dance teachers' perceptions of groove and how it is taught in streetdance2018Independent thesis Advanced level (degree of Master (One Year)), 10 poäng / 15 hpOppgave
    Abstract [en]

    This is a small-scale qualitative study of perceptions of the phenomenon groove in relation to streetdance, with the purpose of sharing and highlighting groove as a streetdance technique. The data was collected by interviews from five streetdance teachers in Stockholm. Phenomenography was used as a theoretical approach and the analysis resulted in two sample spaces. The first sample space constitutes six description categories relating to perceptions of groove. The second sample space constitutes five-description categories relation to perceptions of teaching groove. The study shares and highlights the phenomenon groove as a bodily technique within streetdance, and contributes to share awareness and consciousness among teachers and others interested in dance pedagogy. 

  • 28.
    Lindström, Richard
    Stockholms konstnärliga högskola, Operahögskolan.
    Storhet i det lilla: En essä om närhetens till språket betydelse för det sångliga värvet2020Independent thesis Basic level (degree of Bachelor of Fine Arts), 5 hpOppgave
    Abstract [sv]

    En kortare essä om språkets betydelse för det sångliga värvet.

  • 29.
    Lundberg, Leif
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för opera.
    Rösten och gestaltningen2020Annet (Fagfellevurdert)
    Abstract [sv]

    Vad är det du undersöker och varför? Jag har undersökt de dualistiska krafterna inom den mänskliga rösten, på olika plan, och den ömsesidiga interaktionen mellan röstens funktioner, å ena sidan och gestaltningen och gestaltningsviljan, å andra sidan. Vad kommer vi få ta del av under din presentation? Ni får ta del av prat. En sammanfattning av vad jag sysslat med, experimenterat med, reflekterat över och skrivit om.

    Fulltekst (pdf)
    Forsningsveckan 2020 Onsdag 22 Januari
  • 30.
    Lundgren, Itte
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för opera.
    Teorin i praktiken - eller praktiken i teorin?: Slutrapport2020Rapport (Fagfellevurdert)
    Abstract [sv]

    Syfte

    Syftet med detta projekt har varit att undersöka om ett speciellt undervisningsmaterial kan skapa förutsättningar för ett mer lustfyllt, kreativt och effektivt lärande inom ett område som av många sångstudenter ibland upplevs som tungt, svårt och tråkigt. Kan de kunskaper och färdigheter man får med sig också förstärka och fördjupa den konstnärliga processen och på så sätt ge studenterna verktyg för en personlig och djuplodande gestaltning? Skulle det också, i förlängningen, kunna innebära en ”maktförskjutning” i arbetet med en operaproduktion, att sångarens djupare förståelse och språkliggörande av outtalad kunskap skulle betyda ett större ansvar hos sångaren för rolltolkningen och därmed ett bredare spektrum av kunskap och tolkningsmöjligheter totalt? Dessa frågor har jag sökt svar på genom att med studenterna på Institutionen för opera vid Stockholms konstnärliga högskola periodvis och på försök arbeta med material som helt och hållet utgår från befintlig repertoar för sångare.   

     Bakgrund

     Sedan 1975 har jag arbetat som lärare inom olika skolformer men alltid med musikteori som ett av ämnena och alltid med åtminstone en del, och senare enbart, med vuxna studenter med musik som sin blivande yrkesinriktning. Under min egen första studietid på 70-talet arbetade vi i ämnet gehör mestadels med etyder av olika slag men under åren som lärare och efter en andra studieperiod på Kungliga Musikhögskolan i början av 90-talet blev det allt tydligare att det för alla involverade, såväl studenter som mig själv, var betydligt mer givande att arbeta med repertoar som utgångspunkt, på ett eller annat sätt. Under mina år på Institutionen för opera har det blivit ännu tydligare att arbetet med verklig musik har ett värde i sig, att man som student kan nosa sig till ett musikaliskt uttryck även i det som tycks vara en etyd, ett uttryck som gör arbetet mer lustfyllt och inspirerande.

    Fulltekst (pdf)
    Teorin i praktiken Rapport
    Fulltekst (pdf)
    1. Från halvsidig helkadens till bedräglig upplösning
    Fulltekst (pdf)
    2. Trioler och kvintoler - eller pideli och Dallapiccola
    Fulltekst (pdf)
    3. Vad säger musiken?
    Fulltekst (pdf)
    Lärarens material
  • 31.
    Löwenmark, Aino
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för film och media.
    Fjarill i Gagnef: Reflektioner om hemlängtan, kulturella skillnader och kreativt skapade2019Independent thesis Advanced level (degree of Master (Two Years)), 10 poäng / 15 hpOppgave
    Abstract [sv]

    I den här essän försöker jag få en förståelse och en inre struktur för mitt yrke och min praktiska kunskap som musiker och sångare i Tyskland. Det handlar om mitt dilemma om att vara utlandssvensk i Tyskland och om min hemlängtan till Sverige. Med hjälp av Aristoteles, Hannah Arendt, Hans Larsson m.fl, binder jag ihop känslorna med kunskapen och får på så sätt nya perspektiv på hur det är att leva mellan två världar. Ja att få tillgång till två länder och att förstå och omvandla min längtan till något kreativt.

    Fulltekst (pdf)
    fulltext
  • 32.
    Maza Garcia, Joseph Luis
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för scenkonst.
    Hur kan flerspråkighet användas dramaturgiskt inom etablerade musikaler för att nå ut till nya publik grupper?2022Independent thesis Advanced level (degree of Master of Fine Arts (One Year)), 10 poäng / 15 hpOppgave
    Abstract [en]

     This master thesis researches the possibility for the established musicals to reach via translanguaging to new audiences of underrepresented language groups. The essay focuses on the musical In the Heights and the Spanglish fenomenon. The tools given can be used as a tool for any cultural and group including activities. There are suggestions on how to handle the dramaturgy and how to elaborate the scripts without using translations and text machines on stage. It also reflects on what hurdles and difficulties you might find during the process. It touches the subject of cultural appropriation, stereotypes and how to avoid and deal with these matters in a respectful way.

    Fulltekst (pdf)
    fulltext
  • 33.
    Noveska, Milanka
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för opera.
    Coloratura2023Independent thesis Advanced level (degree of Master of Fine Arts (One Year)), 20 poäng / 30 hpOppgave
    Abstract [en]

    In this research I challenged myself in order to achieve a better understanding of singing coloratura and searched for different techniques that would help me on the way. I found that for me there are five key elements that I explored further : energy, connection and clarity of sound, avoiding the tension, column of air and patience.  

    Fulltekst (pdf)
    Coloratura
  • 34.
    Nowitz, Alex
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för opera.
    Monsters I Love: On Multivocal Arts2019Doktoravhandling, med artikler (Annet vitenskapelig)
    Abstract [en]

    Proposing a ‘multivocal practice’ in the vocal arts, this exposition (documented artistic research project) embodies an inclusive approach to four core categories for the contemporary performance voice: the singing, speaking, extended and disembodied voice. The culmination of a four-year PhD project in the Performative and mediated practices, with specializations in choreography/film and media/opera /performing arts, it documents artistic research sub-projects through the presentation of multimedia material, interweaving performance recordings with reflection and informative threads. Multivocality addresses various models of virtuosity, all of which are informed by a multi-faceted artistic knowledge, whether experimental or experiential, technical or technological, improvisational or compositional. Contemporary vocal performance practices are loaded by questions pertaining to detecting and solving technical issues that bridge the vocal terrains. Through a range of artistic practices—vocal, oral, bodily and technology-related—the research project unfolds what is conceived as a bountiful ‘vocal imaginary’. When voice and body meet technology-related practices that aim at the expansion of the vocal realm by using custom and gesture-controlled live electronics, a performance æsthetics of the in-between emerges. This is explored via the ‘strophonion’, formerly built at STEIM in Amsterdam and, during the course of the PhD, further developed by Berlin-based software programmer Sukandar Kartadinata who created an intricate configuration on the basis of the audio processing application Max/MSP. Through the formulation and performance of ‘The Manifesto for the Multivocal Voice’—a ‘discursive solo performance act’ that aims to provide insights into principles and premises, and to develop the discourse on the politics of today’s performance voice—the exposition attempts to establish a potential theoretical and philosophical grounding for multivocality. Meanwhile, its second major concern relates to the poetics of the voice, investigating the thresholds of highly individualised vocal practices by asking: what are the boundaries of and where is the performance voice today? The exposition (on Research Catalogue) comprises video and audio documentation of public live performances, lectures and artists’ talks as well as studio productions and rehearsals. The user is invited to study scores and varied texts, such as poems, extended programme notes, translations, performance instructions, comments and other reflections. But central is the collection of essays and articles guiding the user through the edifice of ideas that the artistic research project has unveiled.

    Download (pdf)
    spikblad
  • 35.
    Olby, Pia
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för skådespeleri. Musikhögskolan på Örebro Universitet.
    Den mänskliga rösten: personlig sånggestaltning som återspeglar människan bakom rösten2020Bok (Fagfellevurdert)
    Abstract [sv]

    En skrift om hur du som sjunger kan finna din personliga röst och samtidigt vara trogen dig själv, ditt personliga uttryck med ett stärkt självförtroende så det konstnärliga uttrycketgrundat i en gedigen vokalteknik låter det unikt personliga finnas som botten i allt gestaltande.

    Fulltekst (pdf)
    Den mänskliga rösten
  • 36.
    Olby, Pia
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för skådespeleri.
    Sången ädla känslor föder?: Sånggestaltning; möte mellan musikalisk och scenisk gestaltning på lika villkor2017 (oppl. 1)Bok (Annet vitenskapelig)
    Fulltekst (pdf)
    fulltext
  • 37.
    Olofsson, Kent
    Lunds Universitet.
    Composing The Performance: An Exploration Of Musical Composition As A Dramaturgical Strategy In Contemporary Intermedial Theatre2018Doktoravhandling, monografi (Annet vitenskapelig)
    Abstract [en]

    This thesis explores musical composition in the context of contemporary theatre. It suggests methods where compositional thinking – broadly understood – can be used as a dramaturgical device in the creation of theatre performances. Such musicalization of theatre provides new methods for an artistic practice and questions traditional artistic hierarchies and working structures.

       The investigation departs from a process of transference of radiophonic art to stage performances. From this a series of interdisciplinary works in the intersection between concert, theatre performance, radio play and music theatre has been created, each with different approaches to the roles and functions of musical composition. Through these works the creative processes and methods are examined and analysed.

       The notion of vertical dramaturgy and polyphony in theatre contexts is discussed and demonstrated, which pinpoints the significance of interaction between the elements of a performance. The interplay between dramatic writing, acting methods and musical composition is under scrutiny, as is the way in which visual elements as video, light and scenography are integrated into polyphonic theatre experiences. Transformation is an essential compositional and dramaturgical tool as it allows a performance to move seamlessly between different art forms, continuously creating new relationships.

       Through the research a model for interdisciplinary, collaborative work in performing arts emerges. The concepts of Shared space and Shared time are introduced and enable a collective ‘thinking-through-practice’ and expansion of the artistic roles. This joint arena of space and time opens up new connections, interactions and mutual exchanges between artists and art forms.

       The outcome provides a range of artistic methods in the field of contemporary intermedial theatre where musical composition is one of the dramaturgical devices for composing the performances.

    Fulltekst (pdf)
    Composing The Performance: An exploration of musical composition as a dramaturgical strategy in contemporary intermedial theatre
  • 38.
    Olofsson, Kent
    Stockholms konstnärliga högskola, Forskningscentrum.
    Resonance and Responses2015Inngår i: Divergence Press, E-ISSN 2052-3467, nr 4Artikkel i tidsskrift (Fagfellevurdert)
    Abstract [en]

    The idea of resonances and responses as a fundamental compositional principle is found in many of my compositions. I have used it in instrumental pieces both with and without electronics, in theatre contexts, in conceptual works and in intertextual and intermusical referential structures. In Terpsichord, a piece for percussion and pre-recorded sounds, the resonances from the acoustic instruments form sonic bridges to the pre-recorded electronic sounds, that, in turn, prolong the resonances, re-shaping them into new sonic gestures. A dialogue of actions and reactions is created that drives the trajectory of the music. The term resonance has its origins in acoustics and describes how a vibrating object creates sympathetic vibrations in other objects. It can also be used metaphorically to describe how something we hear or see can be set in motion within us, evoking associations or strong emotions, and how works of art are reinforced and reflected in other works with similar features. In this article I present examples from my own works discussing how resonances and responses are used in solo instrumental pieces with electronics, concerto works, as well as in theatre music works.

  • 39.
    Olofsson, Kent
    et al.
    Stockholms konstnärliga högskola, Forskningscentrum.
    Skoogh, Francisca
    Malmö Academy of Music, Lund University.
    Play always as if in the presence of a master2021Inngår i: Seismograf, ISSN 2245-4705Artikkel i tidsskrift (Fagfellevurdert)
    Abstract [en]

    In classical music performance, if the only tool to sustain the great tradition may be seen to be perfectionism, it may hijack artistic expression and freedom. Possibly it will also limit the expressive potential of the performer. Taken together, the vast repertoire, the pressure to compete, and the institutional demands levied in order to make a career leave very little room for exploring new and radical parameters in performance or interpretation. ‘Potential space’ was Donald Winnicott’s term for an inviting and safe interpersonal field in which one can be spontaneously playful while at the same time connected to others. This audio paper by Kent Olofsson and Francisca Skoogh is a sound composition focusing on portraying performance as a potential space, with interpretation as play material. In it, we hear Skoogh, a pianist with many years of experience performing Western classical music, express her performance values, i.e. how she manages emotions connected to expected behaviour on stage and to the repertoire. The authors proceed to transcribe Winnicott’s potential space into artistic practice in order to challenge both the relations between score and performer, and expected concert traditions. It explores one of the great sonatas of the piano repertoire, the Piano Sonata Op. 11 by Robert Schumann.

  • 40.
    Perski, Kerstin
    Stockholms konstnärliga högskola, Operahögskolan.
    Levandegörandets poetik: På spaning efter musikdramat Gränsland och transformationen av dramat via text, vokalt och instrumentalt agerande2020Doktoravhandling, monografi (Annet vitenskapelig)
    Abstract [en]

    From the librettist’s perspective, the traditional working methods which tend to dominate in the creation of new music drama, often result in a situation where the initial intentions are lost along the way. How can we get away from a rigid methodology, where the different professionals involved in the creation of new music drama have to succumb to a procedure which can be likened to a whispering game? A procedure, where the dramatic content, rather than undergoing an emotional enrichment in its transformation into music, often loses the crucial connections to the initial intentions. This doctoral project aims to reach beyond the whispering game by seeking alternative working methods in the creation of a new music drama with the working title "Borderlands", circling around the subject matter of flight and borders - inner as well as outer. The research identified cross–border methods which, borrowing from the terminology of Martin Buber, can be seen as an attempt to counteract the “I–It” relationship that often results from the genre’s focus on virtuosity. The results might inspire further attempts to find alternative working methods which could ultimately create a stronger “I–Thou” relationship between the performance and the audience.

    Fulltekst (pdf)
    Den blindes käpp
    Fulltekst (pdf)
    På spaning efter Gränsland
    Fulltekst (pdf)
    Workshop 1-5
    Download (pdf)
    Registreringsblad
    Download (pdf)
    errata
  • 41.
    Pérez Arquillo, Julia
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för opera.
    Experiencing Bel Canto: Getting deep into the style2021Independent thesis Advanced level (degree of Master (One Year)), 10 hpOppgave
    Abstract [en]

    One of the styles that has influenced opera the most through history has been Bel canto. This work is a recompilation of personal research about its history, characteristics and one of its major exponents, G. Rossini. At the same time, it includes a personal approach on the topic of how to create and perform a character and some exercises aimed to improve the singing in the mentioned style. 

    Fulltekst (pdf)
    Experiencing Bel Canto
  • 42.
    Sairanen, Anna Pauliina
    Stockholms konstnärliga högskola, Operahögskolan.
    Mental training in opera2019Independent thesis Advanced level (degree of Master (Two Years)), 10 poäng / 15 hpOppgave
    Abstract [en]

    I started thinking about mental training in singing quite late in my studies. I had many problems with my nerves when I was at the beginningof my professional studies. I remember having a course for three months that was called ”Performancetraining”. When I look back the only thing I remember from that course is what not to do and getting even more nervous when walking on the stage. I remember thinking that I cannotdo this, I will never be a good singer. I have luckily had good singing teachers who have had a lot of time, understanding, commitment and compassion towards me. I have managed to control my nerves and learned to love to perform.What happens if a singingteacher cannotsolve these problems? I myself have studied to be a singing teacher and during my studies I have never faced the challenge to solve these kinds of difficulties. It requires a good understanding in the human psyche to train people to reach their very best and to overcome traumas that prevents us to perform on our best. It takes a whole village to raise a child, as the saying goes. So why should the training of the voice, becoming a great individual performer and artist, rely on the shoulder of the singing teacher? When I think about the singing lessons, shouldn ́t most of the time be spend on training the voice, exercising the muscles that help us to sing? Have you ever heard a football player going to the practise and spending 50% of that timein solving problems they have faced? Probablynot. I’m notsaying that football players don’t have problems they feel are holding them back in playing football and performing at their best. They just have another time and place to fix these problems. Thiswork happens with the mental trainer.

    Fulltekst (pdf)
    fulltext
  • 43.
    Skäryd, Vilma
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för opera.
    Karaktärsbygge2022Independent thesis Basic level (degree of Bachelor of Fine Arts), 5 hpOppgave
    Abstract [sv]

    Den här uppsatsen undersöker frågor kring sång-skådespelarens teoretiska förberedelser med sin karaktär inför repetition. Som ny i operabranschen är det lätt att tvivla på sitt arbete och de förberedelser man gjort inför varje roll. För att motverka den här osäkerheten har jag utformat en checklista och sedan arbetat utifrån den när jag studerade in rollen som Miss Todd i The old maid and the thief av Giancarlo Menotti inför vår slutproduktion. Känner jag mig lugnare och mer självsäker i min tolkning av karaktären om jag har följt en lista med uppgifter? 

  • 44.
    Sunesson, Jenny
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för film och media. Svenska sektionen av ISCM (International Society for Contemporary Music).
    Epiphanies of an Invisible weave: essay2023Inngår i: NM/T Nutida Musik/Tritonus, ISSN 0029-6597, E-ISSN 1402-4837, Vol. 293, s. 25-37Artikkel i tidsskrift (Fagfellevurdert)
    Abstract [en]

    Epiphanies of an Invisible weave is an essay written during the processes of two different, yet overlapping, projects; the research project FACT stage one, and the solar driven, sound art project UNDER. The essay explores the specific capacities and possibilities of sound and listening through the specific mode of field recording, which is the sonic modality that I have exploring for more than 20 years. The essay aims to shed some light on the site-related, political, and hidden potentials of sound as it examines the possibilities of (re)-learning through listening in relation to both human and more-than-human explorations and possible “epiphanies”, imagining openings beyond stereotypical knowing. 

    Fulltekst (pdf)
    fulltext
  • 45.
    Sunesson, Jenny
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för film och media. Svenska sektionen av ISCM (International Society for Contemporary Music).
    Ett osynligt stycke tyg: essä2023Inngår i: NM/T Nutida Musik/Tritonus, ISSN 0029-6597, E-ISSN 1402-4837, ISSN 0029-6597, Vol. 293, s. 25-37Artikkel i tidsskrift (Fagfellevurdert)
    Abstract [sv]

    Ett osynligt stycke tyg är en essä som utgår från två olika, men ändå överlappande, konstnärliga processer; forskningsprojektet FACT stage one, och det soldrivna, ljudkonstprojektet UNDER. Essän utforskar ljudets och lyssnandets specifika kapaciteter utifrån min konstnärliga fältinspelningspraktik, vilket är den “ljudmodalitet” som jag har arbetat med i över 20 år. Texten diskuterar ljudets och lyssnandets platsrelaterade, politiska och dolda förmågor när det gäller att utmana det “vi tror vi vet” om mänskliga och mer-än-mänskliga organismer – och som ett möjligt verktyg för att hitta öppningar och uppenbarelser bortom stereotypt vetande.

    Fulltekst (pdf)
    fulltext
  • 46.
    Sventelius, Emma
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för opera.
    Att blunda för prestationsångest: En personlig reflektion kring utmattningssyndrom hos operasångare och hur man kan arbeta sig frisk2021Independent thesis Advanced level (degree of Master of Fine Arts (Two Years)), 10 hpOppgave
    Abstract [sv]

    ”Armarna började domna och sticka, kroppen började skaka och dra ihop sig som i kramper och andningen blev ytlig och snabb ... kroppen blev som ett gummiband spänt till det yttersta, samtidigt som det kändes som att någon suddade ut mina kanter. Armarna blev suddiga och benen likaså. Någon knäppte på gummibandet så att hela kroppen ryckte. Jag befann mig på gränsen och kroppen ville gå över i det okontrollerade, men min hjärna höll emot. Det kändes som att jag ville släppa taget och gå över i okontrollerad hyperventilering tills jag inte behövde känna mer. ...Det är den här känslan jag är rädd för. Och det är den känslan jag måste dyka in i för att neutralisera. Det är det jag behöver hjälp med. Efteråt är jag matt. Och tom. Som att jag sprungit en mil och lyft ett ton. Och så är jag förvånansvärt klar i huvudet. Som att någon dragit åt sidan den gardin som jag satt upp mellan mig och alla minnen och känslor kopplade till det här. Igår såg jag otroligt tydligt att det var detta som hände mig för ett år sen (på audition) i Düsseldorf. Men jag har varken vågat eller kunnat se det för vad det var. En panikattack.”

    Det här är ett citat från min dagbok, skrivet 2 april 2018. Jag skulle då ha varit mitt uppe i min examensproduktion på Operahögskolan i Stockholm. I juni samma år skulle jag ha tagit min Masterexamen och genom det avslutat sju års utbildning för att bli operasångerska. Istället hade jag, en vecka tidigare, fått höra av mig till skola, familj och läkare med beskedet; Jag klarar inte det här längre. Idag, tre år senare, möjliggör en global pandemi att jag fullföljer min examen. Att det dröjt tre år har inte att göra med att jag varit kvar i det tillstånd av utbrändhet jag var i 2018, tvärt om, jag har inte haft möjlighet eftersom jag arbetat heltid sedan dess. Jag vill inte uttrycka det som att jag tog mig tillbaka för det sätt jag levde mitt liv innan jag sjukskrevs med utmattningsdepression är inte ett tillstånd att sträva efter. Nej, jag anser snarare att jag tagit mig igenom det. Gått framåt, stärkt av mina upplevelser. Tiden som gått, samt den arbetslivserfarenhet jag samlat på mig sedan dess gör att jag nu vill ta tillfället i akt att reflektera kring hur jag hamnade där jag gjorde 2018 samt hur jag tog mig vidare. Jag kommer att utgå ifrån mina egna erfarenheter, men min förhoppning är att de kan ligga till grund för en bredare reflektion kring varför operasångare i slutet av sin utbildning och början av sin karriär tycks så sårbara för stress och prestationsångest. Kanske kan min berättelse väcka tankar hos andra sångare? Och kanske kan organisationen kring dem dra lärdom från den och arbeta för att förhindra att det går så långt som det gjorde för mig.

    Fulltekst (pdf)
    Sventelius Att blunda för prestationsångest
  • 47.
    Tjerned, Veronica
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för skådespeleri.
    Granatäppleblomknopp: rytm som dramatisk båge2018Independent thesis Advanced level (degree of Master (Two Years)), 10 poäng / 15 hpOppgave
    Abstract [en]

    ABSTRACT

    How can I as a Swedish dancer devoted to the Indian classical dance form, kathak, re root it into my own cultural sphere? And express topics beyond the Sub Indian continent without diluting the essence of the art form?

    I don’t want to create a new dance style.I don’t want to add anything. I want to explore and investigate how I within the tradition of kathak dance and Hindustani music can shuffle the classical format in order to create a longer narrative. 

    To create a dramaturgical nerve in the performance and take it further than the traditional short dances and compositions connected by being strung together on a basic rhythm. During this work I have followed different strands of evolution within me as a kathak dancers as well as personal experiences that has led up to this need of making it my kathak dance, rather than my Indian kathak dance. It’s also a close study of the relationship between a student and her master and how the master forces his student to mature to become her own master. 

    I want to use the kathak dance as an artistic expression to create performances based on topics interesting to me. I want to use the rhythmical patterns to enhance, elaborate and ornament the story told. How can I use the bols and sound from the kathak dance and Hindustani music? What happens if I instead of using bols create similar material but based on the Swedish language? The unexpected result of my research, the unexpected finding of what happened with me after I decided to drop India, and to focus my gaze to my own cultural space by being a native Swedish person living in Stockholm was that I lost my dance. I lost my geography. 

     

    Fulltekst (pdf)
    fulltext
  • 48.
    Tomilina, Olga
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för opera.
    Att gestalta klaverutdrag: operarepetitörens perspektiv2024Independent thesis Advanced level (degree of Master (One Year)), 5 poäng / 7,5 hpOppgave
    Abstract [sv]

    En repetitör är en pianist vars uppgift är att musikaliskt instudera sångarnas partier, både i utbildningssammanhang och i professionella sammanhang inför föreställningar. Det tillkommer spel under sceniska repetitioner, orkesterspel under föreställning och repetitionsdirigering. Det händer också ofta att pianister får ackompanjera hela operaföreställningar, när man inte har möjlighet att anlita en orkester. Ett klaverutdrag är i sin tur ett arrangemang eller en komprimerad version av en orkestersats, som är skriven för piano. Pianot får ofta agera orkester på grund av sitt breda register och möjlighet att spela många toner samtidigt. Det gör att pianot ofta får ersätta orkester i väldigt många sammanhang. Det kan vara ackompanjemang av andra soloinstrument, agera orkester i operasammanhang, balettrepetitioner och liknande. Å andra sidan är det ett instrument som saknar väldigt många av kvaliteterna som många av orkesterinstrumenten har. Tonen på ett piano dör ut ganska snabbt, det går inte att utveckla en ton i styrka och intensitet utan att ta om den. Det medför en del utmaningar med att försöka återskapa orkesterklang på piano.  Jag är själv pianist och repetitör och använder klaverutdrag i mitt arbete nästan dagligen. Intresset för att utforska den orkestrala klangen i klaverutdrag väcktes ganska tidigt, redan under mina studier på Kungliga Musikhögskolan i Stockholm, när jag spelade en sångcykel av Gustav Mahler och arbetade med hans orkestrering av sångcykeln. Att arbeta med att utveckla gestaltningen av orkesterklangen är inte bara ett intresse, det är dessutom absolut nödvändigt för varje repetitör. Därför valde jag att utforska det här spåret i mitt magisterarbete.Min främsta forskningsfråga i det här arbetet lyder som följande: Hur gestaltar jag operamusik för orkester på pianot utifrån klaverutdrag med hjälp av partitur och befintliga inspelningar? Eftersom jag som operarepetitör jobbar med sångare, är det också relevant att ta in deras perspektiv, därav min andra fråga, eller en underfråga: Vilka val i gestaltningen av klaverutdraget främjar arbetet med sångare bäst? 

    Fulltekst (pdf)
    Att gestalta klaverutdrag
  • 49.
    Turunen, Maria
    Stockholms konstnärliga högskola, Institutionen för opera.
    Learning an operatic role effectively: A case study of learning an operatic role in a time-saving way both vocally and on stage2020Independent thesis Advanced level (degree of Master (One Year)), 10 poäng / 15 hpOppgave
    Abstract [en]

    This study examines questions about the most effective ways how to learn an operatic role in a relatively short time. The study consists of my own experiences and observations as I was learning the stage cover role of Donna Elvira for the Finnish National Opera in March 2020.  I am reflecting my observations of the learning process towards a theoretical framework that is based on literature and interviews of the director Jussi Nikkilä and assistant director Anna Kelo.

    Fulltekst (pdf)
    Learning an operatic role effectively
  • 50.
    Unander-Scharin, Carl
    et al.
    Stockholms konstnärliga högskola, Operahögskolan. Kungliga tekniska högskolan.
    Unander-Scharin, ÅsaLuleå tekniska universitet.Höök, KristinaKungliga tekniska högskolan.
    The Vocal Chorder: – Empowering Opera Singers with a Large Interactive Instrument2014Konferanseproceedings (Fagfellevurdert)
    Abstract [en]

    With The Vocal Chorder, a large interactive instrument tocreate accompaniment, opera singers can get more powerover the performance. The device allows performers to interactivelyaccompany themselves through pushing, leaningon and bending steel wires. The design was guided by theunique needs of the solo-singer, explored through autobiographicaldesign and material explorations, some on stage,and later tested by other singers. We discuss how designingfor opera and for the stage requires extraordinary durabilityand how opera performances can change with a bodilyorientedinstrument such as The Vocal Chorder. Through adesignerly exploration, we arrived at a device that offered(1) a tool for singers to take control over the rhythmicalpace and overall artistic and aesthetic outcome of their performances,(2) an enriched sense of embodiment betweentheir voice and the overall performance; and (3) a means toempower opera singers on stage.

    Fulltekst (pdf)
    fulltext
    Fulltekst (pdf)
    fulltext
12 1 - 50 of 59
RefereraExporteraLink til resultatlisten
Permanent link
Referera
Referensformat
  • apa
  • ieee
  • modern-language-association-8th-edition
  • vancouver
  • Annet format
Fler format
Språk
  • de-DE
  • en-GB
  • en-US
  • fi-FI
  • nn-NO
  • nn-NB
  • sv-SE
  • Annet språk
Fler språk
Utmatningsformat
  • html
  • text
  • asciidoc
  • rtf
v. 2.41.0